Susan Elines Weg zur Fotografie begann mit einem Erbe. Während der Pandemie übernahm sie die Analogkamerasammlung ihres Großvaters und beschloss, den Umgang damit zu lernen. Zunächst ging sie damit durch Amsterdam, probierte alte Kameras aus und entdeckte ihre kreative Seite wieder. Daraus entwickelte sich rasch eine Porträtarbeit, die in der Musik- und Clubszene der Stadt verwurzelt ist.
Freunde brauchten Pressefotos, bald darauf auch andere Künstler. Es folgten Aufträge für IsBurning, Minimal Collective sowie Clubs und Festivals wie Club RAUM, BRET, De School, Draaimolen und Drift. Aus privater Neugier wurde ein Beruf, fast bevor Susan Eline Zeit hatte, diesen Schritt zu planen.
Sich Zeit für einen Menschen nehmen
Die analoge Porträtfotografie reizt Susan Eline, weil ihre technischen Anforderungen die Aufmerksamkeit auf den Moment lenken. Licht messen, Kamera und Film auswählen, den Bildaufbau sorgfältig gestalten und mit einer begrenzten Zahl von Aufnahmen arbeiten: All das verändert die Atmosphäre eines Shootings.
Dieses langsamere Arbeiten betrifft nicht nur die Fotografin. Es bringt Verantwortung gegenüber der Person vor der Kamera mit sich. Susan Eline fotografiert oft Musiker und Künstler statt professioneller Models. Deshalb ist es entscheidend, dass die Menschen ihr vertrauen und sich wohlfühlen. Sie hört zu, fragt nach und versucht zu verstehen, wer jemand ist, bevor sie entscheidet, wie sie ihn fotografiert.
Sie möchte einen Menschen nicht in eine vorgefertigte Rolle verwandeln. Vielmehr geht es darum, etwas bereits Vorhandenes zu erkennen und mit ihrer eigenen Bildsprache hervorzuheben.
Identität unter der Oberfläche
Identität ist im Laufe der Zeit stärker ins Zentrum ihrer Arbeit gerückt. Susan Eline interessiert der Abstand zwischen unserem Selbstbild, unserer Selbstdarstellung und der Wahrnehmung durch andere. Scheinbar feste Eigenschaften können erlernte Schutzmechanismen sein. Und das Äußere kann ebenso viel verbergen wie zeigen.
Diese Sensibilität prägt die Bilder. Ein Foto kann vollkommen ausgearbeitet und eindeutig wirken, während darunter etwas Unsicheres liegt. Ihre eigenen Erfahrungen haben Susan Eline zunehmend für solche Gegensätze und für die nicht sofort sichtbaren Seiten eines Menschen interessiert.
Die Kamera passend zum Menschen wählen
Für Susan Eline gehört die Ausrüstung zum emotionalen Ausdruck eines Porträts. Verschiedene Kameras, Filme, Orte und Tageszeiten lassen dieselbe Person ganz unterschiedlich wirken. Sie stimmt ihre Auswahl auf den jeweiligen Künstler ab, statt allen denselben Aufbau vorzugeben.
Ihre Arbeit beginnt vor dem Shooting mit Bildreferenzen und Gesprächen. Sie bittet die Porträtierten, Bilder oder Stimmungen zu teilen, zu denen sie einen Bezug haben, und verbindet diese Hinweise mit dem, was sie über die Person erfahren hat. Aufnahmeorte findet sie auf Reisen, bei Spaziergängen durch Amsterdam oder indem sie eine Gegend zunächst auf Google Maps und anschließend zu Fuß erkundet.
Beim Shooting wird die Planung lockerer. Im Gehen und Reden ergeben sich die konkreten Aufnahmeorte und Gesten oft erst im Moment.
Unvollkommenheit zulassen
Susan Eline setzt der Kontrolle über ihre Bilder bewusst Grenzen. Sie legt Atmosphäre und Bildaufbau fest, möchte aber nicht jedes Detail bestimmen. Graffiti, unruhige Wände und unerwartete Bewegungen bleiben häufig im Bild, weil sie Kontraste erzeugen und es wirklicher erscheinen lassen.
Zu ihren Lieblingsfotos gehören Aufnahmen, die leicht vom Plan abweichen. Die porträtierte Person bewegt sich anders, der Ort steuert etwas Unvorhergesehenes bei, oder ein störendes Element erzeugt eine Spannung, die einem glatteren Bild fehlen würde.
Das Shooting, mit dem ihre Arbeit eine neue Dimension bekam
Bei einem Presseshooting mit ihrem Freund Guido fotografierte Susan Eline zum ersten Mal jemanden auf Film. Seine DJ-Karriere entwickelte sich, und er brauchte neue Bilder. Als die Fotos verbreitet wurden, kamen rasch Anfragen anderer Künstler.
Dieses Shooting war ein Wendepunkt. Fotografie war nicht mehr nur etwas, das sie aus Neugier tat, sondern etwas, das andere ausdrücklich von ihr wollten. Der Übergang ging schneller als erwartet. Er bestätigte aber, dass aus dem Impuls, dem sie mit den Kameras ihres Großvaters gefolgt war, eine berufliche Arbeit werden konnte.
Eine Person, viele Objektive
In ihrer nächsten Werkgruppe möchte sich Susan Eline mit der Wahrnehmung selbst beschäftigen. Sie fasziniert der Gedanke, dass es nie nur eine Version eines Menschen gibt: Selbstwahrnehmung, Fremdwahrnehmung und das von einer Kamera erzeugte Bild können nebeneinander bestehen, ohne dass eine Sichtweise endgültig ist.
Diesen Gedanken möchte sie mit ihrer langjährigen Faszination für Geräte verschiedener Epochen verbinden: alte iPhones, Digitalkompaktkameras, Sony Handycams, Analogkameras und heutige Technik. Jedes Gerät vermittelt ein eigenes visuelles Gefühl von Zeit und Erinnerung. Fotografiert man dieselbe Person mit mehreren davon, bleibt der Mensch unverändert, während ganz unterschiedliche Bilder entstehen.
Für Susan Eline ist das zu einem Bild für Beziehungen und Identität geworden: Der Mensch bleibt derselbe, aber der Blick auf ihn verändert sich. Im nächsten Schritt möchte sie diesen Gedanken nicht nur ästhetisch, sondern auch persönlich aufgreifen. Das Publikum soll sich fragen, wie viele Versionen von uns selbst und anderen gleichzeitig wahr sein können.
Developing Stories ist eine redaktionelle Reihe von Berlin Photo Studio über Menschen, Erinnerungen und Lebensgeschichten hinter den Filmen, die wir entwickeln.
